20岁美少女的破界魔法！凭2.5次元实验让当代艺术超酷破圈！
wuhu专题
文 | 敏 糸
纱线在流动
角色正在“越界”
布料、颜料和手势
让角色伸手和你对话
这是一个拥有鲜明个性的设计少女，她用纱线、毛玻璃、凸起的画布等日常材料，与动漫的平面角色进行融合。
她不满足于把角色画得“漂亮”或“可爱”，而是让她们从画布里伸出手指，拉扯着纱线，甚至把整块画布撕开一道口子，像是要冲破二次元的边界，走到观众面前。
有的地方鼓起一小块“包”，像是有人从背面轻轻顶起；还有通过随意的线组，把左右两边不同颜色的角色连接起来。
大家很难界定这是“装置”还是“漫画”。
人物被刻意画得很平，像屏幕截图落在画布上；“立体”的戏法交给了纱线、织物、喷雾、起伏的画面肌理去完成。
正因为主体足够扁平，微小的凸起、缝合、撕裂就会被放大成视觉焦点，有点感觉像给画面安下一个“暂停键”，让你驻足思考。
观众的惊叹
是她作品真正的“完成部分”
这种观看经验很“低门槛”：不用读一堆术语，也不必猜作者的身世情绪。它把规则摆在台面上：让平面角色和真实材料“交朋友”，邀请观众与之进行互动。
观众既惊叹艺术家的脑洞，也意识到这不是材料堆砌的“形式主义”，而是艺术家在设计一种可被理解、可主动参与的叙事。
角色的表情和手势像在对你说“Stop!”或“Look!”；线的走向、材质的触感，则把这种提示从画里延伸到现实。
你开始在画前做最朴素的实验：走近、后退、侧身、绕行，本身也变成了作品的一部分。
新锐奇才的“撕漫瞬间”
漫圈的破壁一刻
而让这一切发生的人，今年不过20岁出头。用独特的“二维角色 + 综合材料”的方法，稳定地制造着这种“可观赏、可操作、可分享”的体验。把人物画从纸面上拉出来，塞回现实世界的空气里。
本期我们要聊的，就是这位把“撕漫”玩到点子上的年轻创作者：
有请来自日本的艺术家
ももえ
对了，也可以称呼他为Momoe
在 Momoe 的 X 界面，小狗蛇点点的创作者yogin幺菁老师也关注了她，有趣的灵魂总是会相互吸引。
Momoe，22岁，来自日本埼玉县。毕业于多摩美术大学平面设计系。
▲ 多摩美术大学校园
多摩美术大学现为日本规模最大的美术大学，作为日本 “美大御三家” 之一(与东京艺术大学、武藏野美术大学并称)培养出了无数艺术设计巨匠。
例如：三宅一生、五十岚大介、古屋兔丸等艺术家均毕业于该校。
▲ 三宅一生（1938-2022）日本著名服装设计师
接下来，我们一起走进 Momoe 的“撕漫”创作世界。
01
一切皆始于周围人的支持和鼓励
Momoe
Momoe 的艺术之路，并不是从小就立志要当艺术家。相反，她最早的梦想其实是“成为设计师”。
在高中时，她因为一次美术课上的作品被老师表扬，才第一次意识到：原来自己可以通过绘画来“被别人认可”。那一瞬间的鼓励，成为她日后走上艺术道路的起点。
进入大学后，她选择了平面设计专业，依然把自己定位成“未来的设计师”。绘画在那时只是一个兴趣，是在课余偷偷享受的“小世界”。
直到 2023 年春天，一切发生了改变。朋友鼓励她：“既然你画画能带来快乐，那为什么不试着在GEISAI 艺术节（以村上隆为首的艺术家团体创办的艺术节）上展出呢？”
▲ 2002年春天，以村上隆为首的艺术家团体创办了名为"Geisai"的艺术节，旨在构建新人创作者培养平台。 活动借鉴日本学园祭形式，通过低门槛申请制和重量级评审机制，十年间实现参展人数从1800到9800的跨越式增长，现已成为国际策展人挖掘新锐的重要渠道。
Momoe 起初是拒绝的，她觉得“我只是随便画一画，不可能有人认真看吧”。可在朋友再三劝说下，她终于决定“拼一把”。
她用丙烯在画布上画下了角色少女，又把纱线缝进画布，尝试用现实物质和虚拟人物产生对撞。这件作品参展后收获了意想不到的观众反馈。很多观众走到她的作品前，会不自觉地笑出声，说：“好酷，好像她真的要从画里“钻”出来了。”
仅仅带着这样的心态，她在第22届GEISAI艺术节获了“Mr. 奖”（Mr. Prize），这是评委团颁发的一个个人奖项，也是对她当时独特艺术表达的肯定。
那一刻，Momoe 才意识到：
作品能成为人与人沟通的桥梁，而自己原来真的有能力，通过艺术把感受传递给陌生人。
“那时我才第一次觉得，自己可以把画画当作职业。”她回忆说。
从插画爱好者到被称作“撕漫者”的新锐艺术家，Momoe 的身份转变，仅仅发生在短短一年里。
同年秋天在中野百老汇，Momoe 举办首次个展，作品中的纱线、撕裂、凸起等手法引发话题。
2024 年，她多次参与画廊联展，包括原宿 MEDEL GALLERY SHU，《表面张力》展览等探讨作品中的微妙平衡。
2024年的《表面张力》可以说是 Momoe从“学生创作”向“职业艺术家”过渡的关键节点。相比于早期单纯的“好玩”“突破次元壁”，她在这个展览里更强调作品的整体平衡与沟通效果，显示出她艺术语言的成熟与自觉。
之所以取“表面张力”这个名字，是因为 Momoe 认为它描述了一种感觉，就像一杯水，只要轻轻戳一下就会洒出来。所有的作品都是如此，但过度不好，不足也不好；以至于她个人觉得平衡很难，也是创作过程中最令人头疼的地方。
令她感到最开心和最有成就感的，是来自观展者的正面反馈。她特别提到，当观众直接表达“非常喜欢”或者称赞展览很有意思时，她感到自己的设计理念被成功地传达了。
此外，即便不是直接表扬，比如有公司的人肯定她“很有服务精神”，这种对她专业态度的认可，也同样让她倍感鼓舞。
她首次采用了“完全3D”的形式，虽然，现在像是“手办”，但是作为现场可以看得见摸得着的作品，她更想让人认为，只是从二次元世界走出来的三次元形象。
▲ Momoe 创作设计稿后委托厂商制作
《表面张力》是 Momoe 自身艺术语言的一次沉淀。它标志着她从“天马行空的实验者”逐渐成长为“清醒的构建者”，从“尝试一切”走向“打磨细节”。这一临界点上的自觉，或许就是她未来继续走下去的支点。
2025 年， Momoe 的创作进入爆发期：不仅参加东京 Tagboat 三人展《PLAY GROUND》，还被《美术手帖》收录官方档案，并确认将亮相阪急阪神百货的当代艺术展。
Momoe 的艺术之路其实并没有什么“天才式的开端”。她只是因为朋友的一句鼓励，决定去尝试自己真正喜欢的东西。没想到一做，就一路从课堂走到了展览现场。
两三年的时间里，她的作品因为独特的“撕裂感”和实验性材质而被越来越多人记住。她的成长速度让人惊讶，但更打动人的，是她始终保持的那份好奇与尝试。
02
撕开平面的 “禁锢” 重构次元边界
Momoe
Momoe 最广为人知的标签，就是“撕漫者”。
她的作品像是从漫画中直接被“撕”进现实。少女的手指轻轻一勾，画布的边缘就被扯开；或者两种色彩的人物形象，被粗糙的纱线“缝”在一起。
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Momoe 的艺术风格深受日本艺术家大竹伸郎启发。
在东京国立近代美术馆看到大竹伸朗的展览时，Momoe 被他作品的广泛性所震撼。
大竹伸郎的作品风格迥异，却始终如一，观者一眼就能看出是大竹的作品。
▲ 大竹伸郎以凶猛的创作动力从事大量的现代艺术，包括绘画、版画、素描、雕塑、电影、图画书、声音、论文、装置和巨大的结构。 他一直被认为是该领域的领跑者。
2022年，Momoe 特意参观了他在MOMAT的展览，他涉猎的领域之广令人惊叹。这段经历激励着她，让她决心成为一名能够创造个人标志性风格的艺术家。
那么灵感从哪里来呢？
Momoe 的作品都是从日常的小事中诞生的。
当她看到窗户上的凝结水珠或灯的影子等常见现象时，她会想，“如果我画下这些，会发生什么？”
新作品的灵感由此诞生。对她来说，那些最容易忽略的小事，或许就是她故事里的场景。
Momoe 表示她很喜欢油画，因此尝试了很多不同的技法与油画结合，比如会用衣服、会撕碎画布、会烧画布，等等。
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▲ Momoe 的角色设计
Momoe 将她的角色视为表达的一部分。她会很认真地对待每一个角色的细节。
这样，她可以为每一件作品选择最合适的技巧，经过深思熟虑而表达出来。
人们在谈论到她作品的时候，怀疑过她是为了“办展”而专门创作作品，因为，她的作品通常需要人们与其进行互动，比如：
谈及这个问题 Momoe 认为自己的创作并非总是源于一个明确的主题或概念。她以一件作品为例，该作品营造出有人正在擦拭窗户的视觉错觉。
Momoe 从“毛玻璃远处观瞧时显得模糊”这一现象中获得灵感，进而尝试通过遮蔽局部并喷洒毛玻璃涂料来构建擦拭的动态瞬间。
为了突出这一核心意象，她刻意追求含蓄而精准的表达：以黑色背景衬托毛玻璃的材质特性，并用鲜明色彩强化人物形象，使视觉焦点清晰呈现。她坦言作品往往先有视觉实验，之后再逐步完善其内在逻辑与说服力。
尽管创作形式自由，她始终将“沟通”视为底层核心这或许是设计学习留下的深刻印记，但她认为这种影响弥足珍贵。
她认为自己或许可以被归类在当代艺术的范畴，但坦言自己常常对其深层逻辑感到陌生，并始终处于一种学习与摸索的状态。
正是这种“尚未完全理解”的自觉，促使她坚持采用一种更易于理解的表达方式，她希望将自己感受到的趣味，比如“这个形态很有趣”、“纱线凌乱的质感很生动”，清晰地传达给观众。
03
“裂缝”本身就是一种与观者的沟通
Momoe
在线下的活动上，她会准备很多融合自己艺术的“周边”，为大家提供“逛谷店”一样的感受。
她的核心目标之一，就是让观众在作品面前感到新意与惊喜。对她来说，这是一种最直接的交流方式。
在艺术世界里，人们常常谈论“批判性”“深度”，而容易忽略最直观的情绪反馈，那种让人眼前一亮、忍不住停下脚步的瞬间。而在 Momoe 看来，让人感受到创作的新鲜感和活力，才是最重要的。
Momoe 在采访中说过，她不希望观众因为看不懂而退缩。她更想让作品像游乐园里的设施一样，先吸引人靠近，在这种体验之后，慢慢渗透出更复杂的意味。
这点在个展《PLAY GROUND》中体现得淋漓尽致。她把展览设想成一个操场：画布不再只是悬挂在墙上的平面，而是秋千、滑梯、攀爬架的变体。观众的目光和身体动作，都成了作品的组成部分。
别家艺术博物馆都会标注“请勿触摸”的字样，而她的展览，这种行为是被“鼓励”的。
她把这个展览比喻为“像游乐园里的秋千和攀爬架”，就是希望观众能自由地探索。
她的作品不是“被动观看的装饰品”，而是“需要观众带着想象力参与的装置”。
有人好奇画布上的裂缝“是不是能伸手进去”，有人盯着纱线的连接想象它背后的故事。
Momoe 想要传递的，其实远不止是“打破次元壁”的表面效果。她更在意的是，这种“裂缝”本身就是一种沟通。
这些年来她一直在尝试新的材料、新的技法，不满足于既有的效果。
同时，她也很警惕“炫技”的操作。她不想让作品因为新奇而难以理解。相反，她希望哪怕换了形式，观众依旧能一眼认出那是 Momoe 的作品。
对观众来说，这意味着她的作品不是答案，而是起点，她的画布是一条裂缝，一扇门，一个邀请。你凝视的每一秒，都是进入一个新世界的可能。
▲ https://tagboat.tokyo/artistinterview/momoe_affogato
2025年9月12日，Momoe 的全新个人展览“affogato”将于The Parklex Ningyocho tagboat开启。
这次会展出她首次尝试创作100厘米的帆布作品以及创新材料的新作。
Momoe 也在前瞻性访谈中提出：当人们对我的作品感到满意时，我会感到高兴。这让我想要努力完成下一个项目。话虽如此，我不会经常根据反响改变我的创作风格，我希望坚持我的核心原则：创作我觉得有趣的作品，接受好的和坏的。
并且她也希望能够广泛探索，一旦有了新的想法，就会去创作。“我想不断创作，享受其中的乐趣，重复着“输入”和“输出”的循环。”
撕裂与缝合可以并存，感知与想象亦能同在
再次感谢 Momoe 用纱线与画布为我们打开次元的缝隙，也感谢每一位愿意驻足凝视的观众，让这份探索更有意义。
期待她在未来的创作中带来更多惊喜，继续守护那份对日常、角色与艺术沟通的纯粹热爱。
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