当我们谈论国漫崛起时，我们在等待什么？

wuhu专题

文 | Freely-youri

国漫崛起，我们在等待什么，又需要做些什么？

光环之下，挑战依然清晰：

优质内容如何精准触达目标观众？

新生力量如何在激烈竞争中崭露头角？

在拥抱技术与平台变革时，如何坚守创作的核心价值与讲好故事的初心？

成功的IP又如何超越短期热度，沉淀为长久的文化资产？

本次论坛汇聚了国漫产业一线的实践者与思考者。他们带来了宝贵的实战经验与深度洞察：

《哪吒之魔童闹海》宣发负责人陈欣女士，重点分享在信息碎片化时代，如何以“少而新”的策略建立观众期待，让幕后匠心被看见。

抖音轻漫计划负责人田冻竹女士，解析了平台如何通过播放量已超4991亿的“轻漫计划”，降低门槛、赋能创作，助力新兴IP诞生。

见证行业数十年变迁的林超院长，以资深从业者的视角，强调“板凳须坐十年冷”的坚持，以及讲好故事比追逐IP标签更重要的创作本心。

动漫研究专家盘剑教授，梳理了中国动画百年发展脉络，揭示“变”与“不变”的深层逻辑。

腾讯视频星动工作室顾问佘媛媛女士与《雄狮少年》系列主导者程海明先生，则分别从平台布局与内容创作角度，探讨如何打破作品的“烟花效应”——前者通过“跨媒体开发”构建IP生态，后者以“战战兢兢选题”和“超常待机运营”深耕现实主义原创IP。

嘉宾们的分享殊途同归：国漫的持续繁荣，既需要积极拥抱技术迭代与平台生态带来的新机遇，更需要始终坚守对优质内容、动人故事和长期价值的追求。唯有在变革中坚守核心，在协作中共创未来，才能推动国漫从“崛起”迈向真正的“长盛”。

这份论坛实录，汇集了来自产业前沿的思考与实践经验，希望能为关心国漫未来的伙伴们，带来一些实践的启发与方向的思考。

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破局之道：宣发策略的革新与挑战

论坛伊始，焦点落在国产动画电影的“门面担当”——宣发环节。作为《哪吒之魔童闹海》宣发负责人，陈欣在复盘这部现象级动画电影的宣发经验时，既拆解了动画与真人电影宣发的底层差异，也分享了从“未映先火”到长线热度的全链路策略，为行业提供了兼具专业性与实践价值的参考。

《哪吒之魔童闹海》宣发负责人陈欣

动画宣发的"底层共性"与"执行桎梏"

谈及动画与真人电影的宣发区别，陈欣认为二者在底层核心上并无本质差异——都是通过前期吸引关注、精准触达受众，最终让观众走进影院并产生情感共鸣。但执行层面的差异显著：真人电影可依托演员线下活动、片场花絮等直观素材增强观众代入感；而动画电影的制作过程往往藏在“电脑屏幕后”，创作者伏案绘画的日常难以被大众直接感知，幕后的艺术细节与技术投入也常因“看不见”而被低估。

“挖掘动画幕后的故事需要一套专门的方法论。”陈欣提到，“彩条屋团队曾花费大量精力将晦涩的创作过程转化为观众可理解的趣味内容。”

未映先火"的底层逻辑：反套路与确定性

《哪吒之魔童闹海》的“高开疯走”态势，常被归因于“未映先火”的宣发奇迹。但在陈欣看来，这一结果既是市场策略的精准落地，也是对行业趋势的冷静应对。

“春节档的竞争从来都是不见血的‘战场’。”

陈欣回忆，项目启动初期，彩条屋团队面临多重压力，《哪吒1》的爆火已经是五年前了，现在的电影市场和用户也在不断变化，想仅依靠创作爆款短视频内容的宣发模式已经不完全适用，而是要更加注重多重玩法。

在此背景下，团队提出了“少而新”的核心策略。“少”：全片144分钟的丰富内容中，核心宣发期释放不足6分钟正片素材（含笑料、名场面），“引发流量的笑料片段很多，但为长远考虑我们希望把惊喜留给大年初一。”

陈欣坦言，这一决策需要极大定力——团队曾为一个预告剪数月，逐帧打磨台词、音乐等，去验证“深度内容”的价值。

“新”，则是从内容到形式的不断创新。

为维持长线热度，彩条屋团队设计了多维度联动：与导演团队联合制作“太乙吃火锅”等喜剧番外，用熟悉的角色互动唤醒观众记忆；

联合《茶啊二中》团队策划“哪吒坐高铁”春节特供短片，借春运场景引发情感共鸣，单视频单平台播放量超过千万播放量，该片获《人民日报》官微转发后，覆盖各官媒、央视、全国高铁站与家庭观影场景，实现“不剧透却刷存在感”的目标。

发起全网“一起过哪吒年”主题活动，联合《茶啊二中》《大鱼海棠》《我的爸爸是条龙》《大理寺》等多元IP，以及众多知名艺人、动画角色，形成“哪吒宇宙”的沉浸式氛围。

与抖音合作角色滤镜，鼓励用户强化参与感；设计灵动人偶填补“无真人主演”的空缺，带着它亮相微博之夜、抖音直播、元宵晚会等成为媒体活动的“活招牌”。

衍生品与长期主义：被看见的"隐形价值"

除常规宣发外，陈欣特别提到衍生品的运营。

“过去国漫IP的衍生品常被忽视，但我们坚信它的价值，我们对衍生品的信心，来自对观众需求的判断：好的内容会自然延伸出情感载体。”

拥抱变化，相信“好内容会被看见”

总结《哪吒》系列的彩条屋团队宣发经验，陈欣强调两个关键：

市场节奏从两年一变缩短到半年一变，观众的注意力阈值不断提高。我们需要不断革新不断学习——从人偶设计、短片内容到跨界联动，每一次尝试都是对自我的挑战。

好的内容无需刻意迎合——无论是创作还是宣发，我们始终相信‘好东西会被看见’。判断观众是否喜欢，最终要回归对内容本身的真诚。

从“少而新”的物料策略到“全链路”的联动玩法，从衍生品的长期运营到对市场变化的敏锐感知，《哪吒之魔童闹海》的宣发不仅是一次成功的营销案例，更折射出中国动画行业在工业化、市场化进程中的成长。

正如陈欣所说：“每个作品的宣发都没有标准答案，但我们对好内容的坚持、对观众需求的尊重，永远是最底层的逻辑。”

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源头活水：平台赋能与新人孵化

结合抖音赋能行业的发展趋势，抖音二次元垂类运营、轻漫计划负责人田冻竹，系统阐述了平台在动画IP孵化与创作者生态构建方面的战略布局，并通过多维度拆解展现了抖音平台轻漫计划如何以“低门槛+高赋能”模式重塑动画内容生产链。

抖音二次元垂类运营轻漫计划负责人田冻竹

“轻漫计划累计播放量已超4990亿次。 我们的初衷是降低门槛，让新人作品被看见。”

田冻竹指出，抖音为动画人提供了从“0到1”验证创意的低成本试验场（如“奶龙”“初九会画画”“茶啊二中”等IP均受益于此）。当前扶持重点已进入第二阶段——聚焦“新鲜动画人”与“画风优质内容”，结合原创OC动画等方向持续挖掘潜力动画人，并通过话题活动（#轻漫计划、#抖音新鲜动画人）、周榜/总榜评选（流量+现金奖励）激发创作。

平台生态的进化与创作者的关键竞争力

内容迭代迫在眉睫：早期“形象+网络段子”模式红利消退，用户对风格化、高原创度内容需求激增。动画内容进入「风格化竞争」阶段，用户对同质化段子内容产生审美疲劳，差异化（独特角色、世界观、创作者人格魅力等能成为持续关注动力）成为突围核心。

“超级个人”（独立动画人）时代来临：创作群体呈现「职业跨界」特征，平面设计师、广告从业者、财经从业者等转型动画创作比例显著提升，反映出短视频降低了动画创作门槛的行业趋势。很多在动漫行业有过从业经验的创作者个人和高校动画相关专业学生，也在不断进入这个赛道，大量具备完整IP构建能力的独立创作者涌现。田冻竹举例：“今年年初站内入驻了一位个人OC动画人小号乱吹，独自完成世界观搭建、人设、非遗联动周边，发布了原创动画短片及创作过程纪录片，一个月就涨了10w粉；还有近期把毕业动画短片《浮生一梦》发布到抖音的作者丁丁框，获得了超过80w点赞。”

未来将持续涌现具备潜力的超级个体创作者。而能否成长为行业头部IP，关键在于创作能力的深耕与产业生态的协同融合。而AI技术的引入，将为IP的持续精进提供产能赋能，尤其助力中小团队突破资源瓶颈，强化行业整合能力。

高校成为潜力池：今年六一期间，抖音联合央视频结合知名童年动画栏目“动画城”主题发起了高校作者联合创作活动，有来自有北京电影学院、北京交通大学建筑与艺术学院、成都大学、成都艺术职业大学、广西艺术学院、菏泽学院、吉林动画学院、内蒙古艺术学院、四川电影电视学院、天津科技大学、西华大学、西南民族大学、长沙学院、重庆移通学院，234位同学的116个作品参与。学生们的名字与作品登上热搜，“被看见”让更多学生们拥有了持续创作的动力。

在商业化前沿——动画漫剧领域

付费漫剧智能化运营模式

真人短剧市场的发展带动平台与制作方将目光转向动画漫剧领域，这一新兴赛道正通过智能收益分层与宣发提效两大创新模式释放商业潜能。

抖音平台为付费动画漫剧内容提供了一种智能化的运营路径。创作者可选择一种近似“智能托管”的模式：先将作品进行付费售卖，待自然销量达到平台监测的瓶颈后，系统会自动将其转为免费模式，转而依靠广告流量分成。这种方式使创作者能够同时获取两部分收益：直接的C端内容付费收入与后续的广告分成。

在宣发层面，“巨量星图”平台的客户将部分内容免费授权给达人进行二次创作并通过抖音发布。目前，该模式下已涌现出多部动画短剧优秀案例。

优质创作者通过作品艺术高度提升商业价值天花板，可有效改善行业生态，避免劣币驱逐良币现象。基于此，抖音今年也将重点扶持兼具创作力、艺术性与收益力的优质原创动画内容标杆创作者，形成平台与内容升级的双向正循环。

动画电影IP产线运营方法论

“IP账号资产化”战略布局模式

蓄水期（创作期）：IP方自主经营账号布局，在项目起势阶段正片内容释放有限时，进行前置内容规划，鼓励主创或IP官号以个人、团队或IP视角持续输出世界观彩蛋、独立小动画，培养用户对IP的熟悉度，延长其生命周期，避免正片过度曝光。

爆发期：与抖音头部动画IP共创联动内容，高效触达垂直受众，尤其是同类动画IP间的联动能显著促进粉丝互导、内容消费及受众重叠；主动寻求与契合的存量头部IP合作以扩大影响力；同时激发PUGC创作（如创意剪辑、深度解说、Cosplay、同人图等二创），有效触达平台二次元核心受众，并通过热梗、热点打造，突破大众圈层。

长尾期：主创、配音演员等核心主创人员参与传播活动（如线上交流、互动）维持热度，结合用户二创内容与主创互动宣发，延长作品讨论周期和拓展传播维度，口碑是持续传播的生命线，但需内容质量支持。

如《茶啊二中》其账号前置化内容规划逻辑与《哪吒》动画的短视频传播策略形成跨品类印证，共同验证“渠道适配型宣发”新范式。

如《茶啊二中》在电影宣发钱已坐拥抖音千万粉丝，官方账号的原创动画短片、跨界共创、虚拟直播粉丝互动等多种创意营销手段，和粉丝/PUGC矩阵二次传播内容形成宣发联动。电影宣发期后延续IP热度，持续赋能后续动画剧集宣发、IP授权等长期收益，并结合星图、电商、直播打赏等获得潜在增量收入。

当账号进化为IP价值共同体，流量时代的短跑选手终将蜕变为文化长跑的赢家。

抖音通过“轻漫计划”重构动画IP生产链，以低门槛降低创作风险、高赋能加速IP成长，并打通「创作-流量-商业」全链路培养机制，系统性挖掘新生代创作力量，为二次元产业提供“平台驱动型”发展范式。

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基石锻造：教育、研究与创作本心

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变革中的守正创新

林超

在中国青年动画电影周的圆桌论坛现场，70余岁的林超老师望着台下攒动的年轻面孔，目光里交织着感慨与欣慰。作为首届中国国际动漫节高峰论坛的重要推动者，他的讲述如同一部动画产业的“编年史”，将二十余年的行业变迁娓娓道来。

原中国美术学院传媒动画学院常务副院长林超

在竞争夹缝中种下论坛的种子

2005年前后，杭州申办首届中国国际动漫节时，面临着不小的竞争压力——当时国内动漫产业格局初现：江苏占据加工业优势，上海有上海美影厂的传统积淀，深圳涌现动画新秀，长沙凭借《蓝猫淘气》等IP崭露头角。

在“杭州的优势在哪？”的质疑声中，林超与中国美术学院师生找到了破局关键：中国美院自1958年起便为上海美影厂输送人才（包括《山水情》等经典作品的创作主力），这种“根脉相连”的艺术传承，正是区别于其他城市的独特文化基因。

但广电部的要求堪称“硬核”：要拿下举办权，必须做高峰论坛，而高峰论坛的唯一条件是指名的20余家国际知名企业必须有代表参会。当时杭州虽然属于旅游城市，但国际知名度有限，林超回忆，“我提出由中国美院牵头，美国教授能来中国美院讲课，是重要的‘国际经历’。”于是，他代表市政府与班杰明率队赴美，在仅剩100天的倒计时里，一家家拜访皮克斯、华纳、迪士尼等企业。

“我们要的不是‘国际部’的官方代表，不是如何做动画产业（产业合作在当时还为之尚早）、而是会讲中文的一线创作者，要真正的懂动漫影视怎么做。”林超的策略精准：优先选择能讲中文的技术骨干（如《花木兰》总设计师张振益），并要求每家企业派出编剧、制片等核心岗位人员。“那时国内对'制片'概念模糊，美影厂还是计划经济模式，钱花完对账就行。”他强调，论坛定位是“纯学术”，拒绝空谈产业合作。

在荒芜中搭建的精神灯塔

“2005年首届高峰论坛选址转塘，当时周边道路未通，连礼堂都是连夜赶建的。市政府一条路开到转塘，”林超笑言，“当时来的人很多，甚至紧张到把信息产业部的副部长关在门外——没票不让进，学生认不得长官，只认胸牌。”但最终，这场“学术盛宴”震撼了业界：40余位国际专家齐聚，财政部部长、陈敏尔等领导实地考察。

论坛的成功远超预期：原本不被看好的杭州，凭借学术深度与文化底蕴，让动漫节永久落户；那些曾觉得“杭州没东西”的专家，见证了转塘从荒地到影视基地的蜕变。“那时我们没公司、没IP，没有可以讨论的核心，能演的都是外国的作品，《花木兰》都是因和中国有关联而被讨论，几乎只能临时凑内容来分享，”林超坦言，如今再看，“现在的论坛有这么多年轻人、好公司，太让人激动！”但他更想提醒行业：“越热闹越要冷静。”这种清醒，源于他二十余年的观察与实践。

从"冷板凳"到"热产业"的清醒与期待

在转塘艺创小镇，林超指着旧水泥厂改造的厂房感慨：“当年和领导争得面红耳赤的老厂房，如今成了《黑神话：悟空》团队的起点。而这一切都彰显者年轻一代的创造力。”言语间难掩欣慰，却也带着几分清醒的自省：“我们这些上了年纪的人，确实有些力不从心。”谈及当下热络的产业态势，他以《哪吒2》为例提醒：“《哪吒》的成功有目共睹，但‘疯狂’二字同样值得品味——当热度持续高涨时，我们更要保持头脑清醒，既要敢想敢为，也要脚踏实地走稳每一步。”

更令林超欣慰的是，自己曾带的25人本科班中，大部分都留在美院旁创业，其中崇卓动画、wuhu动画人空间的团队“他们用十年证明了‘板凳须坐十年冷’的价值——我当年闭门创作十年，现在年轻人也在用坚持书写答案。”

给"秒动画"时代的创作者

谈及产学研议题时，林超结合自身经历与观察，向年轻创作者传递经验与思考。林超提出了具体建议：“12年前我就倡导‘秒动画’——以60秒短篇幅训练导演全流程能力，避免大厂分工过细的局限。”

在他看来，动画本质在于“动作叙事”短动画是锤炼叙事能力的最佳载体：“做诗很难，60秒动画亦然。30秒能讲好一个故事的起承转合，比一分钟更见功底，还需要一句话讲故事的能力。”

他举例优秀项目推荐会上看到的“小猫”撞出女生的动作设计：“一个动作打动人心，这便是动画的核心——用动作讲故事，60秒内设计两个刻骨铭心的动作就可以成为大师了，成本亦能得以控制。”

针对当下热潮，他的提醒更显恳切：“两件事绝对不能做：不喜欢的片子坚决不接，没内核的项目千万别碰。青春只有一次，别用烂片赔掉生命。”谈及IP，他直言：“创造IP重要，但故事更重要。先把故事讲好，IP价值自然会来。若为IP而IP，动漫产业就完了。”

行业环境虽向好，但理性判断仍需专业统筹。保持创作清醒，方能避免热潮中的迷失。

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在变化中把握发展的本质

盘剑

浙江大学文学院教授、影视与动漫游戏研究中心主任盘剑，以观察者的角度，围绕中国动漫产业的“变与不变”展开解读，作为长期关注动画艺术发展的研究者，他结合杭州动漫产业从无到有的历程，梳理了中国动画百年演进的核心逻辑，揭示了名称、定位与技术三重变革对产业生态的重构作用。

浙江大学文学院教授

浙江大学影视与动漫游戏研究中心主任盘剑

从“卡通片”到“国漫”：名称之变背后的艺术觉醒

杭州动漫产业的起点可追溯至2003年中南卡通的成立。彼时，这座城市尚未形成真正的动漫创作生态——直至动漫节举办时，杭州的动漫产业才真正开始。这一细节恰是中国动画百年发展的微观缩影：从早期模仿美日动画的“卡通片”，到1949年后强调本土化的“美术片”，再到改革开放后受美日动画冲击衍生的“动漫”概念，直至2015年《西游记之大圣归来》引爆的“国漫”新范式，每一次名称迭代都镌刻着艺术形态的深层变革。

盘剑特别指出，“国漫”的提出具有里程碑意义。它既非简单回归早期对美日动画的模仿，亦非传统“美术片”的线性延续，而是在民族动画传统与当代国际潮流融合中形成的新形态——既保留水墨、剪纸等传统美学基因，又吸收三维建模、动态捕捉等技术手段，标志着中国动画从“舶来品”到“民族艺术+国际表达”的成熟转型。

从“儿童专属”到“全龄覆盖”：

定位之变推动的市场扩容

中国动画曾长期被定义为“儿童艺术”，即便如上海美影厂等头部机构也以低龄观众为主要目标。这种单一的定位严重限制了产业发展空间。盘剑通过大量市场观察指出：“当动画仅锁定儿童群体时，其价值被严重低估。”

只有倡导全龄动画理念，动画才能与其他艺术形态实现对等，产业才能真正做大。

这一认知的转变始于对媒介特性的重新认知：电视动画因家庭观看场景天然适配儿童；网络动画依托青年用户主导的互联网生态，自然向青少年内容倾斜；而动画电影作为需要观众主动购票的娱乐消费，必须兼顾成人与儿童的共同需求。由此形成的"全龄动画"理念，推动中国动画突破“儿童向”的天花板。

他以票房数据佐证这一观点：纯粹儿童向动画电影的票房上限约为2亿（如部分低龄向作品），而真正实现“合家欢”的电影（全民动画、如《西游记之大圣归来》《哪吒之魔童降世》等）则轻松突破这一界限。这种定位升级不仅拓宽了受众边界，更推动动画从“小众娱乐”向“大众文化”跃升。

从"模拟影像"到"数字影像"：

技术之变重构的艺术本质

在盘剑看来，技术与制式的革新对中国动画的影响尤为深远。早期的二维手绘动画，本质上是通过绘画手段模拟现实世界的动态变化，其创作逻辑与电影、电视等依靠摄影机拍摄获得的“真实影像”存在根本差异（尽管部分二维动画也借助摄像设备，但其核心依然是绘制，即“绘画艺术”）。而随着数字三维技术的广泛应用，动画逐步实现了从“绘画”向“影像生成”的转变，使其在形式与制式上更接近于“影像艺术”。

数字动画技术的演进正显著提升动画的艺术地位与核心价值。

这种技术跨越不仅提升了动画的审美维度，更重塑了其在影视产业中的地位。盘剑提到，随着如《哪吒之魔童闹海》系列作品的出现，动画已开始对真人电影以及整个电影产业产生显著影响：一方面，动画技术被广泛应用于真人电影的特效制作；另一方面，纯动画电影开始挑战真人电影的叙事边界。他认为，随着技术进步，动画将从电影的次要转向主要地位，或将成为未来影像艺术发展的新方向。

在变化中把握发展的本质

从“卡通片”到“国漫”的名称迭代、从“儿童专属”到“全龄覆盖”的定位升级、从“模拟影像”到“数字影像”的技术跨越——中国动画的百年发展史，本质上是一部“拥抱变化”的创新史。

变是不变的真理，有变才有发展和创新，唯有主动拥抱变化，才能在创新中实现持续发展。

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未来战场：原创开发与IP长线运营

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原创开发的长期存活命题

佘媛媛

从平台视角解码国产动画的“长期主义”与创作方法论

作为腾讯视频星动工作室顾问，佘媛媛的分享始终带着平台从业者的全局视角——既回溯了国漫十年增长的行业背景，也拆解了原创动画从“播完即止”到“长期存活”的关键命题。这场对话，既是行业观察者的经验沉淀，也是一位动画爱好者的赤诚之谈。

腾讯视频星动工作室顾问佘媛媛

用“跨媒体开发”打破动画的“烟花效应”

星动工作室的诞生，源于腾讯视频平台对国漫趋势的敏锐洞察。自2015年起，腾讯视频将资源集中投入国漫领域，十年间，国漫市场迎来爆发式增长：动漫频道已成为腾讯视频全站第二大频道。“但早期的单一剧集模式暴露了问题——大家堆分钟数，却陷入‘老IP撑场、新IP难续’的循环。”佘媛媛坦言，原创难如“地狱级挑战”，但市场需要新面孔，更需要“活得久”的作品。

星动工作室的初衷，正是“跨媒体开发”。以《荒神录之玲珑山》《龙族》等项目为例，团队不满足于让作品停留在“播完即止”的剧集阶段，而是围绕IP构建多元生态：从同步推进的游戏（含轻量与重度）、动画电影，到海外发行、衍生商品开发，甚至尝试动画短剧等新形态。

“我们希望每个IP能像一棵树，根系扎在不同场域。”

佘媛媛以《荒神录之玲珑山》为例，“它最初是原创项目，若仅做番剧，面对‘斗罗斗破’这类长周期IP的竞争，很难突围。所以我们从立项就策划互动游戏、电影、海外发行，让它在不同场景里‘生长’。”

这种思路的背后，是对“动画价值”的重新定义——动画不应是“一锤子买卖”，而需通过多维度开发延长生命周期，让更多用户在不同场域遇见它。“作为制片人，我想让作品散发出超越单一种类的魅力，”佘媛媛说。

原创动画的“生存法则”：从热爱到方法论

在被问道“原创动画从想法到落地的关键”时，佘媛媛的回答没有套路，只有三个被行业验证的底层逻辑。

第一重底色：纯粹的热爱，是穿越行业寒冬的“燃料”

“做动画需要‘赌上信仰’。”佘媛媛直言，腾讯内部曾有疑问：“为什么一个项目要做十年？”她的答案是：动画不是“快速迭代”的生意，而是需要长期投入的事业。

行业里不乏“两年转行”的案例——游戏行业的高收入、快节奏，总在诱惑着动画人才离开。“如果不是真的热爱画画、热爱动画本身的魅力，很难坚持。”她回忆自己入行的初心：“小时候看《山水情》，看到山水间的情感流动，当场哭了。那一刻我就知道，我要进这个行业。”

但热爱之外，更要清醒认知：动画是工业，不是个人战场。“你需要投资人、市场、用户的共同认可。用户需求复杂多变，外部因素对认知的冲击远超预期，若没有热爱支撑，很容易在中途放弃。”

第二重选择：想清楚是“表达自我”还是“服务用户”

“原创动画的起点，决定了它的路径。”佘媛媛指出，创作者需先明确核心目标：是纯粹艺术表达，还是打造服务于某类用户的“商品”？

若选择前者（艺术表达），需要找到包容的资源或“天生圣体”般的支持；若选择后者（商品），则必须学会与市场对话。“我们常遇到这样的创作者：带着热情讲完一个故事，却发现逻辑漏洞、节奏混乱。我们会残忍提醒：‘这个方向可能走不通。’”

佘媛媛建议年轻创作者：“如果擅长表达但不懂市场，一定要找懂沟通的合伙人。这不是妥协，而是在卷市场中‘活下来’的智慧——坚守艺术底线，也要倾听用户需求。”

第三重关键：讲好一个“3分钟抓住人”的故事

在佘媛媛看来，无论IP改编还是原创，讲故事的能力都是国产动画的“短板”。“日本漫画改编漫画很普遍，因为漫画已积累了用户认知；但原创动画没有任何数据支撑，必须在开头3分钟内让用户明白：这是类型？你要讲什么？提供什么价值？”

她以平台数据为例：“黄金3分钟定律在动画领域同样残酷——前3分钟没抓住观众，大概率直接会被划走，除非后续口碑爆火才有机会回头。”如何破局？

她提出两个核心：一是明确故事类型（惊悚/玄幻/恋爱等），让用户快速归类；二是视觉表达避免老套。“3分钟里，用户可能刷个短视频、打局游戏，凭什么选你？视觉新鲜感是第一门槛。”

此外，她强调“文本能力”的重要性：“游戏、动画都需要优质文本。我们缺的不是美术技术，而是能把故事讲得细腻、动人、有记忆点的文本。当美术、动画技术与顶级文本结合，就能诞生伟大的作品。”

对于创作者的困惑：“我的作品拿了奖、豆瓣9.0，为什么用户不喜欢？”“因为你面对的不是‘宏观用户’，而是具体的‘微观个体’。”她用“人货场”理论解释：“cosplay再精彩，也不适合年夜饭桌上表演——找到对的‘场域’，才能让作品被正确接收。番剧、电影、短剧、游戏……不同场域需要不同的表达形态，初期与投资人充分沟通，比盲目推进更重要。”

动画的“长期主义”，是热爱与理性的平衡

从星动工作室的跨媒体布局，到原创动画的“三重法则”，佘媛媛的分享始终围绕一个核心：动画的“长期存活”，需要热爱的纯粹，更需要对市场、用户的清醒认知。

动画不是烟花，而是一棵需要慢慢浇灌的树。我们要做的，是为它找到合适的土壤、阳光和养分，让它在不同季节里，都能绽放出独特的光彩。

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现实主义原创IP的探索与实践

程海明

程海明谈及《雄狮少年》系列创作时，语气里带着从业者的坦诚与反思。作为该系列的制片人、出品人，他坦言首部《雄狮少年》虽无成熟经验可循，却意外开了个好头——从立意到票房表现，再到成本控制均超出预期；而当团队信心满满启动第二部时，却遭遇了不小的挑战：尽管《雄狮少年2》口碑较前作更优，票房却远未达预期。

《雄狮少年》系列电影制片人程海明

值得注意的是，目前《雄狮少年2》已上线优酷、爱奇艺、腾讯视频等全媒体平台，若对比两部作品的画质，观众能直观感受到第二部在技术层面的显著提升。这让团队不得不复盘：或许在选题立意、档期规划或宣发策略上，仍有诸多待完善之处。

战战兢兢去做选题，全力以赴的讲一个好故事，绞尽脑汁的去做产业，超常待机来做运营。

从“无参照”到“有压力”：第二部的选题之思

《雄狮少年》系列的开发，始终围绕“战战兢兢做选题”展开。首部的成功，在于其精准的市场定位与观众期待的空缺——彼时观众对“雄狮少年”IP尚无明确预期，因此任何创新都可能被视作惊喜。但到了第二部，团队试图在类型上寻求突破：原本计划将前作的歌舞片基调升级为动作片，向更商业化的类型片延伸，试图以此打开系列延续的大门。然而市场反馈证明，这一决策稍显理想化。“我们可能高估了观众对类型转型的接受度，也低估了系列IP延续的复杂性。”程海明坦言，第二部的选题过于乐观，缺乏足够的审慎。

打破“续集魔咒”：用真实性筑牢故事根基

尽管选题面临挑战，团队在“全力以赴讲好故事”上从未松懈。动画创作的天然矛盾在于“假定性”与“现实主义真实性”的冲突，而观众对续集的“套路化”偏见更是一道隐形门槛。《雄狮少年2》选择以“强化真实性”破局：制作组专程前往常州、上海的弄堂，对即将拆建的公民新村进行3D扫描，完整还原了2008-2009年间具有时代记忆的老建筑，包括主角阿娟居住的棚户区与格子屋；武术场景更邀请洪拳、咏春非遗传承人及少林寺总教头指导，确保动作设计的可信度。这些细节的打磨，最终转化为观众的共情——豆瓣评分的攀升与“更易代入”的反馈，印证了真实感对故事生命力的重要性。

长线运营：从“放映结束”到“IP生长”的突破

如果说选题与故事是IP的“内核”，那么“超常待机做运营”则是《雄狮少年》系列对行业的一次创新探索。首部《雄狮少年》虽已于2021年12月下映，但截至2025年的今天，全国仍有粉丝自发组织周末及节假日的包场放映，创造了国产动画电影“超长放映周期”的纪录。

在此基础上，团队进一步拓展IP边界：推出舞台剧全国巡演（2024年覆盖20余城、近200场）、与抖音合作《超越吧！阿娟》中短剧、联合快手开展虚拟直播，以及南京路文旅、文三路痛楼等主题打卡点，吸引全国粉丝专程探访。

更值得关注的是产业运营的突破，来自粉丝的自发参与的底气——每月不同角色生日时，除了影片的男女主角和配角拥有自己热情的粉丝外，甚至影片的“金老板”“肖张扬”这两大反派角色竟也能登上北上广深核心商场的大屏，收获粉丝祝福。“这在传统动画IP运营中几乎难以想象。”程海明表示，尽管系列短期内难现《哪吒》式的票房爆发，但长线IP运营的探索已初见成效。

原创现实主义IP的“难而正确”

复盘整个系列的创作历程，程海明坦言：“做原创现实主义IP，注定是一场‘地狱级挑战’。”相较于改编古典神话或热门小说，现实主义题材需在真实性与艺术性间寻找平衡，选题与叙事更需慎之又慎。但他强调，这条路“难而正确”——那些能经得起时间考验的长线动画IP，往往源于对现实的深刻洞察与对人性的真诚刻画。

未来五年，团队计划保持《雄狮少年》系列每个周末的影院展映频率，同时继续深耕IP运营，用更多元的形态延续故事的生命力。

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拥抱变化，守正创新

论坛尾声，wuhu动画人空间创始人王善扬总结道：这场思维碰撞仅是起点。国漫的崛起绝非单点突破，而是一场涵盖创作革新、平台赋能、教育筑基、研究引领、产业协同的系统工程。

wuhu动画人空间创始人王善扬

拥抱变化是生存法则，坚守创作本心与故事力量是灵魂所在。

产学研深度融合与IP的长线价值运营是打破短视、实现可持续发展的双引擎。

技术迭代与平台生态则提供了破局的工具与舞台。

国漫破局的核心在于“守正创新”——以“好内容”为底层逻辑，通过宣发策略革新、平台生态赋能、技术艺术融合、IP长线运营及产学研协同，构建从“流量驱动”到“内容驱动”、从“短期爆款”到“长期价值”的文化生态，最终实现从“国漫崛起”到“国漫长盛”的跨越。

这场关于国漫未来的深度探讨，已为中国动画崛起之路照亮了前行的多维路径——在坚守文化根脉与艺术初心中，以开放姿态拥抱产业变革。